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ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ

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ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ（Walt Disney Animation Studios）は、アメリカ合衆国カリフォルニア州バーバンクに本社を構えるウォルト・ディズニー・スタジオのアニメーション制作主要部門の1つ。

ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ
Walt Disney Animation Studios
2007年、バーバンクのロイ・E・ディズニー・アニメーション・ビルにあるスタジオ本部
略称 WDAS
本社所在地 アメリカ合衆国
カリフォルニア州バーバンク
設立 1923年10月16日
事業内容 (手描き)、CGアニメーション制作
代表者 クラーク・スペンサー
従業員数 800人
所有者 ウォルト・ディズニー・スタジオ
主要株主 ウォルト・ディズニー・カンパニー
関係する人物 ウォルト・ディズニー
ロイ・O・ディズニー
(アンドリュー・ミルスタイン)
ジェニファー・リー
外部リンク disneyanimation.com
(テンプレートを表示)

ウォルト・ディズニー・モーション・ピクチャーズ・グループを構成する一員である。配給はウォルト・ディズニー・スタジオ・モーション・ピクチャーズが行っており、長編アニメーション映画や短編アニメーション映画、テレビスペシャルなどを制作している。

1923年にウォルト・ディズニー・スタジオの創設と同時に設立され、1937年公開の長編アニメーション映画第1作目となる『白雪姫』から現在に至るまで50本を超える長編アニメーション映画を制作している[1]。

多くの人にとって、ディズニー・アニメーションはアニメーションの代名詞であり、「一企業のやり方が、これほどまでに圧倒的なまでに芸術的な価値を確立したものは、他にはない」と言われている[2]。ディズニー・アニメーションは、設立以来、アメリカのアニメーションスタジオの最高峰として認められ[3]、「何十年もの間、長編アニメーションにおいて、誰もが認める世界のリーダー」であり[4]、手描きアニメーションの定番となった多くの技術、手法、コンセプトを開発した[5]。また、同スタジオはストーリーボードの手法を確立し、現在ではアニメーションと実写の両方の映画製作で使用される標準的な手法となっている[6]。ミッキーマウス、ミニーマウス、ドナルドダック、デイジーダック、グーフィー、プルートといった短編アニメーションの主役たちは、今や誰もが知っている人気のキャラクターであり、ウォルト・ディズニー・カンパニーのマスコット的存在となっている。

歴史

1923年-1929年 ディズニー ブラザース カートゥーン スタジオ

 
1923年から1926年までスタジオがあったロス・フェリズキングスウェル通りのの建物[7]

ミズーリ州カンザスシティ出身のウォルト・ディズニーとロイ・O・ディズニーは、1923年10月16日にロサンゼルスにディズニー・ブラザース・カートゥーン・スタジオを設立し、アニメーションの世界で実写の子役を演じる無声の短編映画『アリス・コメディー』シリーズを制作してスタートさせた[8]。 アリス・コメディーはマーガレット・J・ウィンクラーのウィンクラー・ピクチャーズによって配給され、ウィンクラー・ピクチャーズは後に、 1927年からユニバーサル・ピクチャーズを通じて、ディズニー短編映画の第二作目、全編アニメーションの『(オズワルド・ザ・ラッキーラビット)』も配給するようになった[8][9]。 カリフォルニアに移ったディズニー兄弟は、当初ロサンゼルスのロス・フェリズにあるキングスウェル通り4406番地の叔父ロバート・ディズニーのガレージで仕事を始め、 1924年2月には、隣のキングスウェル通り4649番地に自分たちの事務所を構え、スタジオを移転した。1925年、ディズニーは近くのシルバーレイク地区にあるハイペリオン通り2719番地の新社屋を購入し、スタジオの他の場所と区別するためにハイペリオン・スタジオと呼ばれるようになり、1926年1月に移転してウォルト・ディズニー・スタジオと名乗るようになった[10]。

一方、最初の1年分のオズワルドが完成した後、ウォルト・ディズニーはウィンクラー映画との契約を更新しようとしたが、マーガレット・ウィンクラーと結婚して事業を引き継いだチャールズ・ミンツは、オズワルド短編1本に対する前払い金を低くするようディズニーに迫ろうとした。ディズニーはこれを拒否し、オズワルドの権利はディズニーではなくユニバーサルが所有していたため、ミンツはオズワルドのアニメーションを制作するために自分のアニメーションスタジオを設立した。ディズニーのスタッフのほとんどは、1928 年半ばにディズニーのオズワルド契約が切れると、ミンツによって雇われ、移籍してきた[11]。

残りのスタッフが残りのオズワルドの契約を終える間、ディズニーと彼のアニメーターの長であるアブ・アイワークスは、少数の忠実なスタッフを率いて、ディズニーと彼のアニメーターであるアブ・アイワークスは、残った数名のスタッフに密かに仕事をさせ、ミッキー・マウスという新しいキャラクターを主人公とするアニメを制作した[12]。 ミッキー・マウスの最初の2本のアニメーション「プレーン・クレイジー」と「ギャロッピン・ガウチョ」は、1928年の夏に極秘の試写会が行われた。 しかし、3作目のミッキーの短編アニメーションは、音楽家のカール・スタリングと実業家のパット・パワーズと協力してサウンドトラックを制作し、彼はディズニーに自作した「シネフォン」の音声をフィルム上で流すという技術を提供する。 その後、ミッキー・マウス・シリーズの3作目「蒸気船ウィリー」は、ディズニー初のシンクロサウンドを使ったアニメーションとなり、1928年11月にニューヨークのウエスト57番劇場で公開されると大成功を収めた[13]。 ミッキー・マウスの音入りアニメーションシリーズは、パワーズがセレブリティ・プロダクションを通じて配給し、瞬く間にアメリカで最も人気のあるアニメーションシリーズとなった[14][15]。ディズニーの二つ目の短編アニメーションシリーズである、シリー・シンフォニーは、1929年に『骸骨の踊り』で始まった[16]。

1929年–1940年 再編成、シリー・シンフォニー、白雪姫

1929年、ディズニーとパワーズの間で金銭的な問題が生じ、1929年12月16日にウォルト・ディズニー・プロダクションとして法人化し、新たにコロンビア ピクチャーズと配給契約を締結した[17][18][19]。パワーズはその見返りとしてアブ・アイワークスと契約し、彼は自分のスタジオでアニメーションを制作し始めたが、1940年にディズニーに復帰することになる。

コロンビアは、1932年にユナイテッド・アーティスツと新たな配給契約を結ぶまでの2年間、ディズニーの短編映画を配給した。同年、ディズニーはテクニカラーが新しい3色分解フィルムを使い[20] 、従来のカラーフィルムでは不可能だったフルカラーの再現を可能にする2年間の独占契約を締結した[21]。その結果、全編テクニカラーで公開された最初の短編アニメーション映画として、シリー・シンフォニー・シリーズの「花と木」が完成した[21][22]。『花と木』は大成功を収め[21][23]、その後、すべての『シリー・シンフォニー』はテクニカラーで制作されるようになった[24]。

1930年代初頭までに、ウォルト・ディズニーは、アニメーション映画の成功は、観客を掴んで飽きないような、感情移入できるストーリーを語ることにかかっていることに気づき[25][26]、ストーリー開発に専念するストーリーボード・アーティストを集めた「ストーリー部門」を創設することになった[27]。よく練られたキャラクターと興味深いストーリーで、1933年のテクニカラーのシリー・シンフォニーの「三匹の子ぶた」は興行的にも世間的にも大成功を収め[21][28] 、主題歌「狼なんかこわくない」は人気チャート入りするほどのヒットとなった[29]。

1934年、ウォルト・ディズニーは主要なスタッフ数名を集め、初の長編アニメーション映画の制作計画を発表した。「ディズニーの道楽」と揶揄されながらも、『白雪姫』の製作に取りかかり[30]、テクニカラーによる世界初の長編アニメーション映画となった。「白雪姫」の制作には、多くの人材が育成され、スタジオも大きく拡張し、ベテランのアニメーターや 他の分野のアーティスト、新卒のアニメーターがこの映画のためにスタジオに参加した。レス・クラーク、ノーム・ファーガソン、アート・バビットといったヘッドアニメーターが指導し、近くのシュイナード芸術学院の美術教師ドナルド・W・グラハムが教えるトレーニング教室は[5][30]、1932年にスタジオで始まっていたが、オリエンテーショントレーニングや継続教育クラスへと大きく発展していったのである[5][30]。グラハムとアニメーターたちは、この授業の中で、 手描きアニメーションの基本的な技術や使い方を学び、実践していった[5]。『春の女神』（1934年）や『風車小屋のシンフォニー』（1937年）などのシリー・シンフォニーは、人間の動きを再現するアニメーション、特殊効果アニメーション、マルチプレーン・カメラの使用といった新技術の実験作品として[31]、アニメーション作品の層を複数の平面に分割し、カメラがアニメーション・シーン中を立体的に動いているように見せるという発想を生んだ[32]。

 
ウォルト・ディズニーが7人の小人を紹介するシーンは、1937年の劇場公開時の「白雪姫」予告篇より。

『白雪姫』の完成には、当時としては高額な140万ドル（うちストーリー制作費だけで10万ドル）という莫大な費用をかけ、1937年にユナイテッド・アーティスツからディズニー作品の配給を引き継いだRKOラジオ・ピクチャーズが1938年2月に公開すると空前の大ヒットを記録した。2年後の『風と共に去りぬ』の空前の大ヒットを前に、この作品は短期間で史上最高の興行収入を記録し、初公開時の興行収入は800万ドル超[33]、1999年のドル換算で147,082,740ドルに相当した[34]。

『白雪姫』の制作中も、短編アニメーション『ミッキーマウス」と「シリー・シンフォニー』シリーズの制作は続いていた。ミッキーマウスは1935年にテクニカラーに変更され、その頃には、ミッキーの愛犬プルート、仲間のドナルドダックとグーフィーなど、脇役のキャラクターも増えていた。ドナルド、グーフィー、プルートは 1940 年までにそれぞれのシリーズに登場することになり、ドナルドダックのアニメーションはミッキーマウスシリーズをしのぐ人気となった.[35]。7回のアカデミー賞を受賞した『シリー・シンフォニー』 は 1939年に終了し、その後、いくつかの短編が改訂版や再上映版として劇場公開されるようになった[36]。

1940年-1948年 新しい長編映画、ストライキ、第二次世界大戦

『白雪姫』の成功により、ディズニーはバーバンクのブエナビスタ通りに新しく大きなスタジオを建設することができ、現在もウォルト・ディズニー・カンパニーが本社を構えている。1940年4月2日、ウォルト・ディズニー・プロダクションは、ウォルト・ディズニーが社長兼会長、ロイ・ディズニーがCEOとして、新規株式公開を果たした[37]。

スタジオは新しい長編アニメーション映画の製作に着手し、その第一弾が1940年2月に公開された『ピノキオ』である。『ピノキオ』は、当時は興行的に成功したとは言えなかった[38]。公開直後の興行収入は、「白雪姫」の空前の大ヒットとスタジオの期待を下回るものだった[38][39]。この映画の製作費は『白雪姫』の2倍である228万9000ドルのうち、ディズニーが1940年後半までに回収したのは100万ドルにすぎず、スタジオの報告によると、この映画の当初の最終興行収入は140万ドルから190万ドルの間で幅があった[40]。しかし、『ピノキオ』は、アカデミー賞の歌曲賞と作曲賞を受賞し、ディズニー映画として初めて、アカデミー賞を同時に受賞した作品となった[41]。

レオポルド・ストコフスキーの指揮によるオーケストラの演奏に合わせて制作された映画『ファンタジア』は、1940年11月にディズニーが1940年11月にディズニーが一部の地域限定で公開した映画である。この映画の製作費は200万ドルで、興行収入では140万ドルを稼いだが[42]、ファンタサウンドの導入に高額な費用（1館あたり85,000ドル）[42]がかかったため、「ピノキオ」以上の赤字となった[43]。RKOは1941年に『ファンタジア』の配給を引き継ぎ[44]、その後、何年もかけて大幅に編集したものを再上映している[45][46]。 一方、「ファンタジア」は、1942年2月26日に2つのアカデミー名誉賞を受賞した。1つは、この映画の立体音響を実現した革新的なファンタサウンドシステムの開発、もう1つは、ストコフスキーとこの映画に対する彼の功績であった[47]。

これらの作品とその後の1970年代後半までのすべての長編作品のキャラクターアニメーションの多くは、ウォルト・ディズニーが「ナイン・オールドメン」と名づけたアニメーターの頭脳集団によって統括され、その多くはディズニー長編アニメーション映画の監督や後のプロデューサーも務めていたのである。フランク・トーマス、オリー・ジョンストン、ウルフガング・ライザーマン、レス・クラーク、ウォード・キンボール、エリック・ラーソン、ジョン・ラウンズベリー、ミルト・カール、マーク・デイヴィスの9人である[48]。この時期のディズニーの他のヘッドアニメーターは、ノーム・ファーガソン、ビル・タイトラ、フレッド・ムーアなどである。長編アニメーション部門の発展により、ディズニー・スタジオにカースト制度が生まれた。経験の少ないアニメーターたち（と長編アニメーション担当の仕事の合間のアニメーターたち）が短編を担当し、ナイン・オールドメンのような地位の高いアニメーターが長編を担当した。ウォルト・ディズニーがアニメーターの手柄を横取りすることへの懸念、報酬をめぐる議論から、新人アニメーターやより地位の低いアニメーターの多くが、ディズニー・スタジオの組合結成を目指すようになった[49]。

1941年5月に始まった組合によるストライキは、同年7月と8月にウォルト・ディズニーが関与することなく解決された[49]。ウォルト・ディズニー・プロダクションが組合組織を立ち上げていた頃[49]、ウォルト・ディズニーとスタジオの従業員数名がアメリカ政府から中南米への親善旅行に参加した[50]。ディズニー・ストライキとその影響で、アート・バビットやビル・タイトラといったトップレベルのアニメーターから、フランク・タシュリン、モーリス・ノーブル、ウォルト・ケリー、ビル・メレンデス、ジョン・ヒューベリーといったディズニースタジオ以外の作品でも有名なアーティストまで、多くのアニメーターのスタジオからの流出を招いた[49]。ヒューベリーは、他のディズニー・スタジオでストライキを行った数人とともに、1950年代にディズニーのライバルとなったユナイテッド・プロダクション・オブ・アメリカ・スタジオを設立することになる[49]。

『ダンボ』は、アニメーターのストライキの最中に制作され、1941年10月に初公開され、成功を収めた。この作品は、『白雪姫』の半分、『ピノキオ』の3分の1以下、『ファンタジア』の5分の2の予算で、95万ドルの製作費で作られた。『ダンボ』は最終的に、初公開時に160万ドルの興行収入を記録した[51]。1942年8月、『バンビ』が公開されたが、『ピノキオ』や『ファンタジア』と同様、興行成績は振るわなかった。170万ドルの予算のうち、興行収入は164万ドルであった[52]。

『バンビ』の公開後、長編アニメーションの制作は一時的に中断された。一部の長編映画の失敗と、第二次世界大戦で海外映画市場の多くが閉鎖されたことから、スタジオの融資先であるバンク・オブ・アメリカは、スタジオが一時的に短編映画の制作に限定する場合にのみ資金を融資するとした[53]。そのため、当時製作中だった「ピーター・パン」「ふしぎの国のアリス」「わんわん物語」などの長編は、戦後まで見送られることになった[53]。真珠湾攻撃で第二次世界大戦に突入したアメリカは、スタジオには500人以上のアメリカ軍兵士が集まり、近隣の航空機工場を敵の爆撃機から守る役割を担った。さらに、ディズニーのアニメーター数名が戦争に参加するために徴兵され、スタジオはアメリカ軍のあらゆる部門、特に軍事訓練や民間のプロパガンダ映画の制作を請け負うことになった。1942年から1943年にかけて、スタジオのアニメーション制作の95パーセントは軍の関係であった[54]。戦争中、ディズニーは実写とアニメーションを融合したプロパガンダ映画『空軍力の勝利』（1943年）を制作し[55]、1941年の親善旅行から生まれたラテン文化をテーマにした短編シリーズは、二つの長編映画『ラテン・アメリカの旅』（1942年）と『三人の騎士』（1944年）にまとめられた[55]。

『ラテン・アメリカの旅』は、1940年代にディズニーが発表した他のいくつかの「オムニバス映画」の雛形となった。短編アニメーションを中心に、アニメーションと実写を組み合わせた低予算の映画である[56][57]。これらの作品は、『メイク・マイン・ミュージック』（1946）、『ファン・アンド・ファンシー・フリー』（1947）、『メロディ・タイム』（1948）、『イカボードとトード氏』（1949）である。また、『南部の唄』（1946 年）と『わが心にかくも愛しき』（1948 年）の 2 本の長編映画も製作され、実写とアニメーションを融合した映像で、物語を表現している。この時代にも短編の制作は続き、ドナルドダック、グーフィー、プルートを中心に、ミッキーマウス、フィガロ、1950年代にはチップとデール、ハンフリー・ザ・ベアが出演するアニメーションも制作された[58]。

さらに、1944年の『白雪姫』[59]、1945年の『ピノキオ』、1946年の『ファンタジア』の再公開を皮切りに[60]、これまでの長編映画の再上映を開始した。これは、7年ごとにディズニー映画を再公開するという伝統につながり、1990年代まで続いた後、スタジオのビデオ化にも影響されることになった[59]。

1948年-1966年 長編映画の復活、ブエナ・ビスタ、短編映画の製作終了、レイオフ、そしてウォルトの晩年

 
1940年から1985年までアニメーション部門の本部があったカリフォルニア州バーバンクのウォルト・ディズニー・スタジオの初代アニメーションビル。

1948年、ディズニーはシャルル・ペローの童話をもとにした長編アニメーション映画『シンデレラ』で、長編アニメーション映画の制作に復帰した。『白雪姫』の2倍の予算である300万ドル近くを投じ、この映画の成功がスタジオの将来を左右することになった[61][62]。1950年に公開された『シンデレラ』は興行的に成功し、この映画の収益によってディズニーは1950年代を通して長編アニメーションの制作を続けることができた[63]。その成功を受けて、『ふしぎの国のアリス』、『ピーター・パン』、『わんわん物語』の製作が再開された。さらに、グリム童話『眠れる森の美女』をチャイコフスキーの名曲にのせて映画化するという野心的なプロジェクトが始まったが、完成までには約10年かかったという[64]。

1951年に公開された『ふしぎの国のアリス』は、興行的には微妙な結果に終わり、初公開時の批評家たちの期待を大きく裏切った[65]。一方、1953年に公開された『ピーターパン』は興行的に成功を収め、その年の興行収入第6位を記録した。1955年に公開された『わんわん物語』は、『白雪姫』以降のディズニー・アニメーションの中で最も高い興行収入を記録し[66]、1955年の北米興行で推定650万ドルの収入を獲得した[67]。『わんわん物語』は、ディズニー初のワイドスクリーン長編アニメーションとして、シネマスコープ方式で制作され、ディズニーが自ら設立した配給会社ブエナ・ビスタ・ディストリビューションから公開された初の長編アニメーションであることも重要である[68]。

1950年代半ばになると、ウォルト・ディズニーの関心は主に実写映画、テレビ、ディズニーランドのテーマパークといった新しい試みに向けられ[48]、アニメーション映画の制作は主にアニメーターと監督のトップからなる「ナインオールドメン」の手に委ねられることになった。そのため、『眠れる森の美女』の制作中、何度も確認が遅れ、1959年にようやく公開されることになった。この作品は、画家のアイヴァンド・アールが考案した重厚なアートスタイルで制作され[69]、大型のスーパーテクニラマ70と6チャンネルの立体音響で上映され[69]、600万ドルというディズニーで最も高額な映画となった[69]。しかし、『白雪姫』以来、スタジオで最も高い予算で制作された長編アニメーションであったにもかかわらず、この映画の多額の制作費とディズニーの他の1959年の作品の興行成績不振により、スタジオは1960会計年度に10年ぶりの年間赤字を計上し[70]、スタジオ全体で大規模な人員削減を余儀なくされることとなった[71]。

10年の終わりには、ディズニーの短編映画は定期的に制作されなくなり、短編部門の担当者の多くは会社を去るか、『ミッキーマウス・クラブ』や『ディズニーランド』などのディズニーテレビ番組に異動することになったのである。1930 年代にはシリー・シンフォニーズがアカデミー短編アニメ賞を独占していたが、MGMのトムとジェリー、ワーナー・ブラザースのルーニー・テューンズとメリー・メロディーズ、画一的な作風とスタイリッシュなアニメーション技術が古いディズニーのスタイルに代わるよりモダンなものとして賞賛されたユナイテッド・プロダクション・オブ・アメリカ (UPA) の作品によって最多受賞の座を追われることになったのである[72]。1950年代には、ディズニーの短編のうち、スタイリッシュな『プカドン交響楽』のみがアカデミー賞短編アニメ賞を受賞した[73]。

ミッキーマウス、プルート、グーフィーの短編は1953年までにすべての制作が終了したが、ドナルドダックとハンフリーは継続し、1956年に短編部門が閉鎖されるまでワイドスクリーンシネスコープに変更された。その後、1969年までに、すべての短編映画は長編映画部門が制作した。アニメーション黄金時代の最後のディズニー短編作品は『トリはタフなり』であった。この時点からディズニーの短編は不定期にしか制作されなくなり[58] 、後の代表的な短編には[74]『ミッキーのアルバイトは危機一髪』（1995年、ミッキーマウス主演）[75]、『ペーパーマン』（2012年）などがある[76]。

1959年のレイオフや、拡大した実写映画、テレビ、テーマパーク部門との競争にもかかわらず、長編アニメーション作品の制作は縮小したレベルで継続された[64]。

1961年、スタジオは『101匹わんちゃん』を発表し、従来のアニメーションのセル画にインクやペイントを施す工程でゼログラフィーを使用することを一般に広めた[77]。ゼログラフィーは、紙の絵をトレースするのではなく、光化学的にアニメーションの絵を最終的なアニメーション制作に使われる透明なアセテートシート（「セル」）に転写することができる[77]。その結果、アニメーターが描いた線がスクラッチで表現され、1980年代のディズニー映画を代表するアートスタイルとなった[77]。この映画は、1961年の映画の中で10番目に高い興行収入となる640万ドルの収入を記録し、成功を収めた[78]。

1932年にスタジオで始まったディズニーアニメーションのトレーニングプログラムは、『白雪姫』の製作によって、ウォルト・ディズニーがカリフォルニア芸術大学（CalArts）の設立に協力することになった[79]。この大学は、シュイナード芸術学院とロサンゼルス音楽院が合併してできたものである。ディズニーが開発したアニメーションのプログラムも学位取得の対象に含まれていた。1970年代から現在に至るまで、ディズニーをはじめとするアニメーションスタジオで活躍する多くのアニメーターたちの母校となった[79]。

1963年に公開された「王様の剣」は、北米でその年の第6位の興行収入を記録し、推定興行収入は475万ドルとなった[80]。1966年には、A・A・ミルンの「くまのプーさん」の物語を短編映画化した「プーさんとはちみつ」が公開され[81]、その後数年にわたりプーさんの短編映画が作られ、1977年には短編をまとめた長編映画「くまのプーさん 完全保存版」が公開された[81]。

ウォルト・ディズニーが亡くなったのは1966年12月で、スタジオの次回作『ジャングル・ブック』が完成・公開される10ヶ月前だった[82]。この映画は成功を収め[83]、1967年の年間興行収入第4位となった[84]。

1966年-1984年 人気低下、ドン・ブルースの入社と退社、"低迷期"

ウォルト・ディズニーの死後、 ウルフガング・ライザーマンが製作兼監督として長編映画を作り続けた[85][86]。1970年代は、ウォルト・ディズニーが最後のプロジェクト作品として製作した『おしゃれキャット』の公開によって始まった。1971年、スタジオの共同創設者であるロイ・O・ディズニーが亡くなり、ウォルト・ディズニー・プロダクションはドドン・テイタムとカード・ウォーカーの手に委ねられ、1978年まで会長とCEOが交互に重なることになった[87]。次の長編『ロビン・フッド (1973年の映画)|ロビン・フッド』（1973年）は、大幅に削減された予算と、これまでの長編から再利用されたアニメーションで制作された[85]。『おしゃれキャット』と『ロビン・フッド』は、共にヒット作にはならなかったが、高い評価を得た [85][86]。

1977年に公開された『ビアンカの大冒険』は、前2作を上回る大ヒットを記録した[86]。高い評価を受け、興行収入も高く、アカデミー賞にもノミネートされたこの作品は、その年の第3位の興行収入となり、『ジャングル・ブック』以来、最もヒットし、名作といわれたディズニー・アニメーション映画となった[85][86]。この映画は1983年に再公開され、ディズニーの新作である「ミッキーのクリスマスキャロル」が同時上映となった[88]。

『ビアンカの大冒険』は、ディズニー・アニメーション・スタジオの世代交代を告げる作品だった[86]。ミルト・カールやレス・クラークといったベテランが引退し、ドン・ブルース、ロン・クレメンツ、ジョン・マスカー、グレン・キーンといった新しい才能に次々と入れ替わっていたのである[86][89]。エリック・ラーソン、フランク・トーマス、オリー・ジョンストン、ウルフガング・ライザーマンらの指導を受けたカルフォルニア芸術大学のアニメーション学科出身の新人アニメーターたちは[86][89]、ブルースが監督した実写とアニメーションのハイブリッド作品『ピートとドラゴン』（1977）のアニメーションで初めて自分たちの才能を発揮する機会を得たのである。1979年9月、ディズニーのアニメーション技術が停滞していることに不満を感じたブルースは[90]、他の新鋭アニメーターたちと共に、自分たちのスタジオ「ドン・ブルース・プロダクション」を立ち上げたが[90]、これは1980年代のアニメーション界でディズニーの最大のライバルとなる[89]。

ブルース一派の離反により半年遅れで[89]、4年の製作期間を経て1981年年に公開されたのが「きつねと猟犬」である。この作品はスタジオにとって興行収入面で成功したと見なされ、ロイド・アレキサンダーの小説「プリデイン物語」シリーズをスーパーテクニラマ70[89]で製作するという長年の夢だった「コルドロン」の製作が継続された。

「コルドロン」は、ディズニー・アニメーションの魅力を幅広く伝えるとともに、カルアーツ出身の新しい世代のディズニー・アニメーターの才能を紹介することを目的としていた。キーン、マスカー、クレメンツ以外にもアンドレアス・デジャ、マイク・ガブリエル、ジョン・ラセター、ブラッド・バード、ティム・バートンなど、この新世代のアーティストたちは有望なアニメーターたちであった。ラセターは、1983年にディズニーにCGアニメーション制作を推し進めたことで解雇されたが、その後、CGアニメーションのパイオニアであるピクサーのクリエイティブ・ヘッドに就任し[91][92]、1980年代後半からディズニーと密接な関係を持つことになる[91][93][94]。同様に、バートンは、スタジオがお蔵入りにした実写短編映画『フランケンウィニー』を制作した後、1984年に解雇されたが、その後、ディズニーや他のスタジオで実写やストップモーションの長編映画のプロデューサーや兼監督として注目を集めるようになった。バートンがディズニーで手がけた話題作には、ストップモーション映画『ナイトメアー・ビフォア・クリスマス』（1993）、実写版『アリス・イン・ワンダーランド』（2010）、ストップモーションによるリメイク版『フランケンウィニー』（2012）などがある[95][96]。また、バードは、ディズニーの上層部がアニメーションのリスクを取らず、安全策をとっていると批判し、同社に勤務して数年で解雇されている。その後、ワーナー・ブラザース・アニメーションやピクサーなど、他のスタジオでアニメーション映画の監督を務めるようになる[97]。

ウォルト・ディズニーの義理の息子であるロン・ミラーは、1980年にウォルト・ディズニー・プロダクションの社長に、1983年にCEOに就任した[98] 。同年、映画とテレビの制作部門を拡大し、ウォルト・ディズニー・ピクチャーズというブランドを立ち上げて、長編アニメーション部門の作品を将来的に公開することになった[98]。

1984年-1989年 マイケル・アイズナーの就任、リストラ、そして復活

 
ロイ・E・ディズニー (会長, 1985–2003), ウォルト・ディズニーの甥で、1984年のウォルト・ディズニー・カンパニーの組織改編に伴い、アニメーション部門の再建に携わった中心人物。

1984年、企業の乗っ取り騒動が相次いだ後、ロイ・Oの息子でウォルトの甥にあたるロイ・E・ディズニーが取締役を辞任し、「セーブ・ディズニー」という署名活動を行い、取締役会を説得してミラーを解雇することに成功した。ロイ・E・ディズニーは、マイケル・アイズナーを新CEOに、フランク・ウェルズを社長に迎えた[87][99]。アイズナーは、映画部門であるウォルト・ディズニー・スタジオの会長にジェフリー・カッツェンバーグを任命した[89]。アイズナー体制になり、完成間近だった『コルドロン』（1985年）は、後にディズニー・アニメーションの「最低」と呼ばれることになる作品である[89]。4400万ドルというスタジオで最も高額な長編映画であった『コルドロン』は、評価は低く、興行収入も伸びなかった[89]。この映画の興行収入は2100万ドルで、スタジオは赤字になり、アニメーション部門の将来が危ぶまれることになった[89]。

1950年代から1980年代にかけて、ディズニーがさらに実写映画制作、テレビ、テーマパークに進出したため、アニメーションの収益における重要性は著しく低下した[89]。新CEOに就任したマイケル・アイズナーは、長編アニメーションスタジオを閉鎖し、今後のアニメーションを外部委託することを強く考えた。ロイ・E・ディズニーが仲裁に入り長編アニメーション部門の責任者として、その経営を立て直すことを提案し[89]、一方アイズナーは、アイズナーはテレビ用の低コストのアニメーションを制作するために、ウォルト・ディズニー・ピクチャーズ・テレビジョン・アニメーション・グループを設立したのである[87]。アイズナーによって長編アニメーションの会長に指名されたロイ・E・ディズニーは、1985年に日々の運営を行うためにピーター・シュナイダーをアニメーション部門の社長に任命した[100]。

1986年2月6日、ディズニーの幹部はアニメーション部門をバーバンクのディズニースタジオの敷地から、約2マイル東（3.2キロメートル）、カリフォルニア州グレンデール近くのフラワーストリート1420にある様々な倉庫、格納庫、トレーラーに移転した。約1年後、成長著しいCG部門もそこに移転することになる[89][101]。アニメーション部門の新拠点で初めて手がけた長編アニメーションは、『コルドロン』の制作を終えたジョン・マスカーとロン・クレメンツがベイカー街のバジルを基に制作をした作品『オリビアちゃんの大冒険』（1986）である。この作品は評価も高く、興行成績も上々で[102]、アニメーションスタジオの幹部の信頼を持たせることができた[89]。しかし同年末、ユニバーサル・ピクチャーズとスティーヴン・スピルバーグのアンブリン・エンターテインメントが公開したドン・ブルースの『アメリカ物語』は、『オリビアちゃんの大冒険』を上回る興行収入を上げ、これまでのアニメーション映画としては史上初の興行収入となった[103]。

カッツェンバーグ、シュナイダー、ロイ・ディズニーの3人は、スタジオの構造を変えるべく、人材と制作量を増やし、2年から4年に1本だった新作アニメーションを毎年公開するようにした[89]。ビリー・ジョエルやベット・ミドラーをはじめとする豪華キャストを起用し、モダンポップな音楽を取り入れた「オリバー ニューヨーク子猫ものがたり」（1988年）がその第一作目として製作された[89]。「オリバー ニューヨーク子猫ものがたり」は、同じくブルース／アンブリン／ユニバーサルのアニメーション映画「リトルフットの大冒険/謎の恐竜大陸」と同日に公開されたが、『オリバー ニューヨーク 子猫物語』は全米で『リトルフットの大冒険/謎の恐竜大陸』を上回り、その時点で全米で最も成功したアニメーション映画となったが、全世界での興行収入はリトルフットが上回っている[89]。

 
カリフォルニア州グレンデールのフラワーストリート1400番地。1985年から1995年にかけてウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションが使用したいくつかの建物のうちの一つである。
 
1400 Air Way、これも1985年から1995年までウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションが使用したグレンデール内のビルである。

同時に1988年、ディズニーはハンナ・バーベラのオーストラリア・スタジオを買収し、ディズニー・アニメーション・オーストラリアを設立し、オーストラリアで長年続いてきたアニメーション産業への進出を開始した[104]。

「オリバー ニューヨーク子猫ものがたり」と次回作「リトル・マーメイド」が製作される一方で、ディズニーはスティーヴン・スピルバーグのアンブリン・エンターテイメントとアニメーターのリチャード・ウィリアムズと共同で、他のアニメーションスタジオから使用許可を得たアニメキャラクターを登場させた画期的な実写とアニメーションのハイブリッド作品『ロジャー・ラビット』をロバート・ゼメキスが監督した[105][106]。ディズニーは、『ロジャー・ラビット』のキャラクターを制作するために、ウィリアムズの指揮の下、ロンドンに新しいアニメーションスタジオを設立し、カリフォルニアのスタジオから多くのアーティストがこの映画の制作のためにイギリスに赴いた[89][107],[107]、アカデミー賞で3つの部門に輝き、アメリカのアニメーション業界における注目を再び集めることになった。この映画以外に、スタジオは1980年代後半から1990年代前半にかけて、3本の『ロジャー・ラビット』の短編を制作した[108][109]。

1989年-1994年 ディズニー・ルネサンスの始まり、作品の成功、アニメーション業界への影響

「ディズニー・ルネサンス」も参照

1989年には二つ目の拠点スタジオとして、ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーション・フロリダが40名のスタッフで開設された。フロリダ州ベイレイクのウォルト・ディズニー・ワールドにあるテーマパーク、ディズニー・MGM・スタジオ内に事務所を構え、見学者はスタジオを訪れ、アニメーターの仕事を見ることができた[110]。同年に公開された『リトル・マーメイド』は、批評家からは絶賛され、興業面でも過去数十年で最大のヒットを記録し、ディズニーの歴史に残る大きな功績となった。『リトル・マーメイド』は、『オリビアちゃんの大冒険』の共同監督であったジョン・マスカーとロン・クレメンツが監督を務め、北米の興行収入が8400万ドルとなり、スタジオにとって最高記録となった。この映画は、ブロードウェイの作曲家であるアラン・メンケンとハワード・アシュマンによる楽曲を中心に構成されており、また、彼らはこの映画の共同プロデューサーでありストーリーコンサルタントでもあった[89]。「リトル・マーメイド」は、アカデミー賞で作曲賞と歌曲賞の2部門を受賞した[111]。

『リトル・マーメイド』は、アニメーションにミュージカル映画という新たな分野を開拓するきっかけとなった[89][112]。また、この作品はディズニーのコンピューター・アニメーション・プロダクション・システム（CAPS）を初めて使用した作品でもある[89]。 CAPSは、コンピュータ・アニメーションの開発会社であったピクサーがディズニーのために開発したもので、後のディズニー映画において、デジタル・インク＆ペイントやデジタル合成によって、コンピューター・グラフィックスをより円滑に組み込み、デジタル・インク＆ペイントやコンポジット技術によってより優れた作品作りを可能にする重要なものとなった[89]。ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションがその後10年間に渡って公開した大ヒット作の最初の作品であり、後にディズニー・ルネサンスと呼ばれる時代となった[113][114]。

ミッキー・マウスが登場する「ミッキーの王子と少年」の同時上映作品『ビアンカの大冒険 ゴールデン・イーグルを救え!』（1990年）はディズニー初の長編アニメーション映画の続編であり、スタジオ初のCAPS/インク＆ペイントシステムによるコンピュータによるデジタルペイントとデジタル合成で作られた映画である[89]。しかし、この映画は『リトル・マーメイド』のようなヒットを記録することはできなかった[89]。次の長編アニメーション映画「美女と野獣」は、ロンドンで制作が開始されたが、ディズニーがロンドンのスタジオを閉鎖し、『リトル・マーメイド』に続くミュージカル・コメディの形式に作り替えることを決めたため、バーバンクに移された[89]。アラン・メンケンとハワード・アシュマンが作詞と作曲を担当したが、アシュマンは製作が完成する前に亡くなっている[89]。

カーク・ワイズとゲイリー・トゥルースデイルが監督した『美女と野獣』は、1991年のニューヨーク映画祭でワークインプログレス版として初公開され、高評価を得て空前の大ヒットとなり、後にこのスタジオの最高傑作と評されることになる[115]。アカデミー賞では6部門にノミネートされ、 そのうち1部門はアニメーション映画としては初めて作品賞を受賞し、歌曲賞と作曲賞も受賞した[116] 。1億4500万ドルの興行収入は新記録となり、おもちゃやキャンペーン、サウンドトラックなどの関連商品も好調に売れた[117]。

『リトル・マーメイド』と『美女と野獣』のヒットにより、1990年代のディズニー作品の代表作となった。ブロードウェイ調の歌とテンポの良いアクション、宣伝効果の高いマーケティングと関連商品、あらゆる年齢層の観客を劇場に呼び込むために考え抜かれたミュージカルコメディー作品である[117]。ジョン・マスカー、ロン・クレメンツ、カーク・ワイズ、ゲイリー・トゥルースデイルに加え、ストーリーアーティスト兼監督のロジャー・アレーズ、ロブ・ミンコフ、クリス・サンダース、ブレンダ・チャップマン、リードアニメーターのグレン・キーン、アンドレアス・デジャ、エリック・ゴールドバーグ、ニク・ラニエリ、ウィル・フィンなどの新鋭アーティストがこれらの映画を制作した[117]。

1992年11月に公開された『アラジン』は、ディズニーのアニメーションのヒットで上向きになっており、全世界で5億400万ドルの興行収入を記録し[118]、さらに歌曲賞と作曲賞の2部門でアカデミー賞を受賞した[119]。メンケン、アシュマン、ティム・ライス（アシュマンの死後、彼の後任）)[120]が曲を収録し、ロビン・ウィリアムズが声を担当した『アラジン』は、ディズニーキャラクターの声を有名俳優や女優が担当するというトレンドを確立し、『ジャングル・ブック』『オリバー ニューヨーク子猫ものがたり』である程度実現されていたが、今では一般化された方法を確立したとも言える[121]。

1994年6月、ディズニーはロジャー・アラーズとロブ・ミンコフが監督した『ライオン・キング』を公開した。アフリカを舞台にした動物だけの物語で、ジェームズ・アール・ジョーンズ、マシュー・ブロデリック、ジェレミー・アイアンズといった豪華な声優陣を起用し、ティム・ライスとポップスターのエルトン・ジョンが歌を担当した。『ライオン・キング』は全世界で7億6,800万ドルの興行収入を記録し[122]、これは手描きアニメーション映画としては現在までの最高記録であり[123]、さらに関連商品、プロモーション、サウンドトラックのレコードセールスで数百万ドルを稼ぎ出している[117]。

 
622/610 サークル7ドライブ（ハートダノン・ビル）は、1990年代前半にウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションが使用した、同じくグレンデールのビルである。

『アラジン』と『ライオンキング』 は、それぞれの公開年において、世界最高の興行収入を記録した作品である[124][125]。2つの作品を制作している合間に、ディズニーはアニメーションの手法を多様化し、元ディズニーのアニメーター、ティム・バートンを起用して「ナイトメアー・ビフォア・クリスマス」を制作し、ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションは、この映画の手描きアニメーションによる特殊効果を担当した[126]。アニメーションが再びディズニーのビジネスの重要な部分を占めるようになり[117]、同社は事業の拡大を開始した。カリフォルニアのスタジオは2つのユニットに分かれて拡張され、バーバンクのメインディズニーランドに隣接する新しいディズニー・フィーチャー・アニメーションのビルが起工され、1995年に竣工した[89][117]。1992年に正式に法人化されたフロリダにあるスタジオも拡張され、フランス・パリ郊外のモントルイユ[127]にあるディズニーテレビジョンアニメーションスタジオのひとつ、旧ブリッツィ・ブラザーズ[127]のスタジオはウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーション・パリとなり、『グーフィー・ムービー ホリデーは最高!!』（1995）やその後のディズニー作品のかなりの部分が制作された[89]。また、テレビアニメーションのスタジオを利用してディズニー・ムービートゥーンズというブランドで、大ヒットしたアニメーション映画の続編を低予算のOVAとして制作した。 『アラジン』の続編で、『アラジン』のテレビシリーズのパイロット版となった『アラジン ジャファーの逆襲』（1994年）は、最初の作品であった[128]。ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションは、1994年の『美女と野獣』と1997年の『ライオンキング』のブロードウェイミュージカル化にも大きく関わっている[117]。

ジェフリー・カッツェンバーグとディズニーのストーリーチームは[129]、世界初の全編フルCGアニメーション作品である『トイ・ストーリー』の企画と制作に深く関わっている[129]。『トイ・ストーリー』はピクサーがディズニーのために制作し、監督は、元ディズニーアニメーターのジョン・ラセターが務め[129]、ピーター・シュナイダーは『[[ティン・トイ]』（1988）などのピクサー短編で成功した後、彼を再雇用しようとして失敗していた。1995年に公開された『トイ・ストーリー』は、批評家の称賛[129][130][131]と空前の大ヒット作になり[129][132]、ピクサーはディズニーと5本の映画契約を結び、『バグズ・ライフ』（1998）、『トイ・ストーリー2』（1999）、『モンスターズ・インク』(2001年)[133]、『ファインディング・ニモ』(2003年)、『Mr.インクレディブル』（2004）といったCGアニメーション映画を製作し、高い評価と大ヒットを連発していった。

また、『アラジン』や『ライオンキング』の成功は、その後10年間、アメリカで製作される長編アニメーションの数は大幅に増加し、大手の映画スタジオは、FOXアニメーションスタジオ、サリバン・ブルース・スタジオ、アンブリメーション、リッチ・アニメーション・スタジオ、ターナー・フィーチャー・アニメーション、そしてワーナー・ブラザース・アニメーションといったアニメーション部門を新たに設立し、ディズニーらしいミュージカル・コメディ仕立ての映画『恐竜大行進』（1993）、『おやゆび姫 サンベリーナ』（1994）、『スワン・プリンセス/白鳥の湖』（1994）、『セントラルパークの妖精』（1994）、『ペンギン物語〜きらきら石のゆくえ〜』（1995）、『キャッツ・ドント・ダンス』（1997）、『アナスタシア』（1997）、『魔法の剣 キャメロット』（1998）、『王様と私』（1999）などを製作することになった。これらのディズニー以外の長編アニメーションのうち、ヒットしたのは『アナスタシア』のみである[134]。

1994年-1999年 ディズニー・ルネサンスの終焉、低迷期の再来

 
1997年から2007年まで使用されたウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションのロゴ。

1990年代前半に公開されたディズニーの作品のヒットで、スタジオのチーフであるジェフリー・カッツェンバーグが手柄を立てすぎているという懸念が、ロイ・E・ディズニーを中心とするディズニースタジオの社内で生じていたのである[89]。ウォルト・ディズニー・カンパニー社長フランク・ウェルズが1994年にヘリコプター事故で死亡し、カッツェンバーグは空席になっていた社長職をマイケル・アイズナーCEOに働きかけているところだった。しかし、カッツェンバーグ、アイズナー、ディズニーの間に緊迫した空気が流れ、同年8月24日にカッツェンバーグは会社を辞めさせられ[135]、後任にジョー・ロスが就任した[135]。1994年10月12日、カッツェンバーグはドリームワークスSKGの創設者のひとりとなり、そのアニメーション部門は、『アンツ』（1998年）などのCGアニメーション映画と『プリンス・オブ・エジプト』（1998年）などの手描きアニメーション映画の両方で[117][136]、長編アニメーションにおけるディズニーの重要なライバルとなったのである[134]。1994年12月、アニメーション部門のためにバーバンクにアニメーション・ビルが完成した[137]。

1990年代前半の作品とは対照的に、ルネサンス後半の作品はすべてがヒットしたわけではなかった。1995年夏に公開された『ポカホンタス』は、ルネサンス期の最初の作品として批評家から様々な評価を受けたが、それでも観客に人気があり、ヒット作となり、世界で3億4600万ドルを稼ぎ[138]、アラン・メンケンとスティーブン・シュワルツによる音楽でアカデミー賞を2度受賞している[139]。翌年の『ノートルダムの鐘』（1996年）は、一部がパリのスタジオ[127]で制作され、ディズニー映画で最もダークな作品とされているが、『ノートルダムの鐘』は『ポカホンタス』よりも批評家の評価は高く、全世界で3億2500万ドルの興行収入を記録した。翌年の夏、『ヘラクレス』（1997 年）は興行的に好調で、全世界で2億5200万ドルを売り上げたが、ディズニーのこれまでの作品と比較すると不振であった[140]。俳優の演技は好評だったが、アニメーションと音楽は賛否両論だった[141]。『ヘラクレス』は、手描きアニメーション映画の衰退を始めるきっかけとなった。ドリームワークスとの給料の競争によってスタジオの経費が大幅に増加し、予算が1994年の『ライオン・キング』の7900万ドルから3年後の『ヘラクレス』の1億7900万ドルに増加したため、,[99][117] 興行成績の低下はスタジオ内でさらに問題となった[117]。さらに、ディズニーは新作映画の人気によって、他の部門で関連商品、テーマパークのアトラクション、OVAによる続編、テレビシリーズを展開していた[117]。制作スケジュールは縮小され[136]、制作をより厳しく管理するためにクリエイティブ・エグゼクティブが多数採用されたが、この動きはアニメーターの間では不評であった[117][142][143]。

フロリダのスタジオで中心となって制作された最初の作品である「ムーラン」（1998年）は[144]、観客と批評家から好評を得て公開され、全世界の興行収入は3億500万ドルというヒット作となり、スタジオとしての評価と興行成績のどちらも取り戻した。次の作品、ケヴィン・リマとクリス・バックが監督した『ターザン』（1999年）は、1億3000万ドルという高額な予算で制作され[136]、再び好評を博し、4億4800万ドルの興行収入を記録した[145]。ポップスターのフィル・コリンズが手がけた『ターザン』のサウンドトラックは、大きなレコードセールスを記録し、アカデミー賞の歌曲賞を受賞する結果となった[146]。

1999年-2005年 スランプ、人員削減、CGアニメーションへの転換、企業問題

1990年からロイ・E・ディズニーが取り組んでいたプロジェクトで[147][148]、1940年の作品の続編となる「ファンタジア2000」は、ロンドン、パリ、東京、カリフォルニア州パサデナを巡るコンサートツアーの一環として、1999年12月17日にニューヨークのカーネギー・ホールで初上映された。 その後、2000年1月1日から4月30日まで、世界75か所のIMAXシアターで公開され、長編アニメーション映画としては初のIMAX用の映画として話題を集め、同年6月15日には通常の劇場公開が行われた。 制作の合間を縫ってそれぞれに作った「ファンタジア2000」は[147]、IMAX用に制作され、IMAXで公開された最初の長編アニメーション映画である。この映画は、9000万ドルの製作費に対して、全世界で9000万ドルの興行収入を記録し[148]、スタジオにとって1億ドルの赤字となった[148][149]ピーター・シュナイダーは、1999年にウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーション社長の職を離れ、ジョー・ロスの下でウォルト・ディズニー・スタジオの社長に就任した[150]。シュナイダーのアニメーション担当副社長を数年務めたトーマス・シューマッハは、ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションの新しい社長に就任した[150]。この頃、他のスタジオとの競争により、アニメーターの収入は過去最高となり[117]、手描きアニメーション作品の制作コストはさらに高くなっていた[136]。シューマッハはコスト削減を命じられ、大規模なレイオフを開始し、給与を削減し、1999年にピークで2,200人いたスタジオのスタッフを約1,200人にまで減少させた[151][152]。

1999年10月、ブエナ・ビスタ・ビジュアル・エフェクツの後継として1996年4月にウォルト・ディズニー・カンパニーが買収した特殊効果スタジオ[153]、 ドリーム・クエスト・イメージズがウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションのコンピューターグラフィックス部門と合併し、ザ・シークレットラボという部門を立ち上げた[154]。ザ・シークレット・ラボは、2000年5月に公開された[155]長編映画「ダイナソー」を制作し、実写を背景にしたCGの太古の生物を登場させた[156]。予算1億2800万ドルを投じたこの作品は、全世界で3億4900万ドルとスタジオの予想を下回り[156]、ザ・シークレットラボは2001年に閉鎖された[157]。

2000年12月、『ラマになった王様』が公開された。この作品は、『キングダム・オブ・ザ・サン』というミュージカル大作であったが、製作途中で修正され、よりコンパクトなコメディになった[158][159]。公開時の全世界での興行収入は1億6900万ドルを稼いだが[160]、評価は高く、ビデオでは販売成績が伸びた[161][162]。『アトランティス 失われた帝国』（2001）は、ディズニーがアクション・アドベンチャーに挑戦し、これまでの常識を覆そうとしたが、評価は散々で、1億2000万ドルの予算に対し世界中で1億8600万ドルの興行収入をあげた[151][163][164]。

2001年から2002年初めにかけて、ピクサーのCGアニメーション映画（ディズニーとの配給契約のおかげ）が、ドリームワークスの『シュレック』、ブルースカイ・スタジオの『アイス・エイジ』とともにそれぞれ大ヒットを収めたのに対し、ディズニーの『ラマになった王様』と『アトランティス 失われた帝国』の興業成績が振るわなかったことから、手描きアニメーションは時代遅れとなるとの見方が広がった[117][165][166]。 ディズニーはバーバンクにあるスタジオのスタッフのほとんどを解雇し、一つのスタジオに集約し、全編フルCGアニメーションに移行する計画を開始した[117][167]。しかし、一部のスタッフは、CGアニメーションを担当する職を得ることができた。その結果、1985年に10年間グレンデールに移転したとき以来の低さに落ち込んだ[117][168]。2003年、パリのスタジオも閉鎖された[169]。

バーバンクスタジオに残っていた手描きアニメーション作品『トレジャー・プラネット』と『ホーム・オン・ザ・レンジ にぎやか農場を救え!』は制作が続けられた。ロバート・ルイス・スティーブンソンの『宝島』をもとに宇宙を舞台にした『トレジャー・プラネット』は、脚本・監督のロン・クレメンツとジョン・マスカーの念願のプロジェクトであった。この作品はIMAXで公開され、評価は全般的に高かったものの、2002年11月の公開時には興行成績が振るわず、2003年度のウォルト・ディズニー・カンパニーの決算では7400万ドルの赤字となった。バーバンクスタジオの2D部門は、『Sweating Bullets』というワーキングタイトルで知られていた長編映画『ホーム・オン・ザ・レンジ にぎやか農場を救え!』の完成を受けて[117][170]、2002年末に閉鎖されることになった[171]。

一方、手描きによる長編アニメーションの制作は、より低コストで制作できるフロリダのスタジオで続けられた[167]。クリス・サンダースとディーン・ デュボアが脚本と監督を務めた異色のコメディドラマ『リロ・アンド・スティッチ』は[166][172]、2002年夏に公開されると、予算8000万ドルに対して全世界で2億7300万ドルを稼ぎ、「ターザン」以来の本格的な大ヒットとなった[173][174]。

この時期までに、1990年代のディズニーの長編映画のほとんどは、ディズニー・テレビジョン・アニメーション部門によって、OVA化した続編やテレビシリーズ、あるいはその両方が制作されるようになっていた。2002年2月に公開された『ピーターパン』（1953）の続編『ピーター・パン2 ネバーランドの秘密』ではディズニーは、ビデオプレミア用に作られた低予算の続編を映画館で公開したが[128]、それは一部のディズニーのアニメーターやディズニー映画のファンから非難されたやり方だった[117][175]。

2003年、トム・シューマッハがディズニーの舞台・ミュージカル部門であるブエナ・ビスタ・シアトリカル・グループの社長に就任し、後任として当時ウォルト・ディズニー・テレビジョン・アニメーションの社長であったデビッド・ステイントンが任命された。ステイントンは、それまでテレビアニメーション部門に属していたディズニートゥーンビデオ・スタジオの統括を任されたが[176]、このときウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションのマネジメントに移管された[177]。

ステイントンの下、フロリダのスタジオは『ブラザー・ベア』を完成させたが、『リロ・アンド・スティッチ』ほどには評判が高くなく、興行成績も良い出来とは伸びなかった[142][166][170][178] 。 ディズニーは2004年1月12日にフロリダのスタジオを閉鎖し、2ヶ月後のスタジオ閉鎖時には当時進行中だった『My Peoples』が未完成のまま残された。2004年4月に公開された『ホーム・オン・ザ・レンジ にぎやか農場を救え』は、『リロ・アンド・スティッチ』ほど評判が高くなく、興行成績も振るわなかった[179]。しかし、ボブ・ランバート率いるディズニーは[180]、ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションを全編フルCGアニメーションの専門スタジオに転換することを正式に発表し、2年前に開始されたこの計画[165]は現在600人のスタッフを抱え[165]、これまでのアニメーション機器をすべて処分し始める[117]。

『ブラザー・ベア』の公開直後、長編アニメーションの会長ロイ・E・ディズニーはウォルト・ディズニー・カンパニーを辞め、ビジネスパートナーのスタンリー・ゴールドとともに、1984年にロン・ミラーを追放したのと同じように、今度はマイケル・アイズナーを追放するために「セーブディズニー」の 署名運動を開始した[175]。アイズナーに対する反論は、長編アニメーションへの取り組みと、ピクサーとの関係が悪化したことの2つであった[165]。同年、スタジオはウォルト・ディズニー・イマジニアリングと共同で、4Dテーマパーク映画『ミッキーのフィルハーマジック』を制作した。ルネサンス時代のアニメーター数名を呼び戻し、各アニメーターが過去に手がけたシークエンスに取り組み、例えば「パート・オブ・ユア・ワールド」ではグレン・キーンがアリエルのアニメーションを担当するなど、スタジオ初のCGアニメーションへの挑戦となった[181]。

2004年1月、アイズナーとピクサーのCEOスティーブ・ジョブズとの間で、ピクサーとディズニーの配給契約の更新をめぐる話し合いが決裂した[165][182][183]。特にジョブズは、当時製作中だった『トイ・ストーリー3』（2010）のような続編は、スタジオの新契約に必要な作品数に含めないというアイズナーの主張と意見が合わなかった[182]。そのため、ディズニーはピクサー作品に続編を制作する長編アニメーション部門であるサークル7・アニメーションの立ち上げを発表し、その間にピクサーは新たな配給契約のための取引を開始した[182]。

2005年、ディズニーは同スタジオ初の全編フルCGアニメーション映画『チキン・リトル』を発表した。この映画は興行収入でヒットし、世界で3億1500万ドルを稼いだが[184]、評価は散々なものであった[185]。同年末、ロイ・E・ディズニーの「セーブ・ディズニー」署名運動が2年間続いた後、アイズナーは辞任を発表し、後任としてウォルト・ディズニー・カンパニー社長だったボブ・アイガーを会長兼CEOに任命した[175]。

2005年-2010年 立て直し、ディズニーによるピクサーの買収と社名変更

 
ジョン・ラセター（チーフ・クリエイティブ・オフィサー、2006-2018、左）とエドウィン・キャットマル (社長、2006-2018、右）は、ピクサー買収後にディズニーに入社し、2000年代前半の低迷期からウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオの立て直しに尽力した。

アイガーは後に、「私はまだ、ディズニー・アニメーションがどれほど壊れているか、完全に理解していたわけではない」と語っている。 彼は、1990年代初頭からのその歴史を、ヘラクレスやチキン・リトルのような「コストのかかる失敗作が数多く存在している」と表現し、ムーランやリロ・アンド・スティッチなどの「そこそこのヒット作」は、ディズニールネサンスの初期作品に比べれば、評価は高くなく、興業成績もいまひとつだったと述べた[186]。アイガーがCEOに就任した後、ジョブズはディズニーとピクサーの交渉を再開した。2006年1月24日、ディズニーはピクサーを全株式取引で74億ドルで買収すると発表し[187]、同年5月に取引は完了[186][188][189]し、『トイ・ストーリー3』を制作するために立ち上げたサークル・7スタジオは閉鎖され[190][191]、社員のほとんどがフィーチャー・アニメーションに戻り、『トイ・ストーリー3』はピクサーの手に戻ってきた[192]。アイガーは後に、「当社が強く望んでいた取引であり、（ディズニーが）強く必要としていた取引」であったと語っている。彼は、ディズニー・アニメーションには新しいリーダーシップが必要だと考え、買収の一環として、エドウィン・キャットマルとジョン・ラセターがそれぞれピクサーだけでなく、フィーチャー・アニメーションの社長とチーフ・クリエイティブ・オフィサーに就任したのである[188][193]。

ディズニーの幹部は、フィーチャー・アニメーションを閉鎖することも検討したが、キャットマルとラセターはそれを拒否し、代わりにスタジオの立て直しを決意した[194]。ラセターは、「我々が見ている目の前で、そんなこと（閉鎖）をさせるわけにはいかなかった。ウォルト・ディズニーが残した素晴らしいスタジオの遺産を守り、本来あるべきクリエイティブなレベルまで引き上げることを決意を表明した。この遺産を守ることは、私たちの肩にかかっていたんだ」 と語った[195]。ラセターとキャットマルは、フィーチャー・アニメーションのスタッフのモラルを回復させることに着手し[196][197]、1980年代に活躍し、スタジオを去った「ニューガード」世代のスターアニメーターたち、ロン・クレメンツ、ジョン・マスカー、エリック・ゴールドバーグ[92]、マーク・ヘン、アンドレアス・デジャ、ブルース・W・スミス、クリス・バックを再雇用した[198]。ウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションとピクサーは、所有権や経営権を共有することになったが、その独立性を維持するために、キャットマルとラセターは、それぞれのスタジオが独自のプロジェクトに単独で責任を持ち、他方から人材を借りたり仕事を貸したりすることは許されないという「厳しい一線を引いた」のであった。キャットマルは、ラセターとともに、「スタジオはそれぞれ独立した存在であることを意識している。スタジオを統合するのは、間違いなく誤った方法だ。お互いに個性的であるべきである」と述べた[199][200]。

キャットマルとラセター曰く、ディズニー・フィーチャー・アニメーションには、ピクサーの「経営者主導のスタジオ」ではなく「クリエイター主導のスタジオ」というスタイルが導入され、それまでプロデューサーよりも上の立場にある経営陣から「必須」のメモを受け取ることを監督に要求するというこれまでのディズニーのシステムを廃止し、必須ではないメモは主に同僚のプロデューサー、監督、脚本家から受け取り、確認し合ってもらうというシステムを採用している[201][202]。ゲートキーパー（中間管理職）の役割をほとんど排除し、ラセターは、制作の最終年度にあるすべてのプロジェクトのクリエイターと毎週自ら会い、その場で意見を述べるというやり方を定着させた[203]。ピクサーのブレーントラストと似ているが[201][204]、ピクサーよりも"丁寧"なミーティングを行うという[193][205]。

2007年、ラセターはウォルト・ディズニー・フィーチャー・アニメーションをウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオと改称し[206]、手描きアニメーションとCGアニメーションの両方を制作するスタジオとして再出発した。手描きアニメーションのコストを抑えるため、アニメーション、デザイン、レイアウトはディズニー社内で行い、クリーンアップアニメーションとデジタルインクアンドペイントは外部委託及びフリーランスに委託した.[207]。

2007年に公開された『ルイスと未来泥棒』は、同スタジオでは二作目の全編フルCGアニメーション作品で、全世界で1億6930万ドルを稼いだ[208]。同年、ディズニートゥーン・スタジオも再編され、ラセターとキャットマルの指揮のもと、独立したスタジオとして運営されるようになった[209]。ラセターがスタジオの次回作『アメリカン・ドッグ』に自ら参加した結果[210]、監督のクリス・サンダースが退社し、彼はドリームワークス・アニメーションの監督に就任することになった[211]。この作品は、新たにバイロン・ハワードとクリス・ウィリアムズが『ボルト』として作り直し、2008年に公開され、「リロ・アンド・スティッチ」以来のディズニーアニメーション作品として高い評価を受け[212]、アカデミー賞長編アニメ映画賞にノミネートされるなど、ヒット作となった[213]。

『プリンセスと魔法のキス』は、童話『カエルの王子様』をもとにロン・クレメンツとジョン・マスカーが監督した作品で、スタジオにとって5年ぶりの手描きアニメーション映画となった。1990年代のミュージカル・コメディに回帰しランディ・ニューマンが楽曲を提供したこの映画は[214]、2009年に公開され、好評を博し、アカデミー賞では歌曲賞2部門を含む3部門にノミネートされた[215]。『プリンセスと魔法のキス』の興行成績は、1億500万ドルの製作予算に対して、全世界で2億6,700万ドルを稼いだが、『アバター』と競り合ったため、成績が振るわなかったと見られている[193][213]。さらに、タイトルの「プリンセス」という側面が非難され、当時製作中だったプリンセスを題材にしたディズニー映画には、性別に関係ない象徴的なタイトルが付けられることになった。『ラプンツェル』は『塔の上のラプンツェル』、『雪の女王』は『アナと雪の女王』となった[216][217][218]。2014年、ディズニーのアニメーターであるトム・シトは、本作の興行成績を、『オリビアちゃんの大冒険』（1986年）が1985年に公開された『コルドロン』より上がっていると例えた[219]。2009年には、テレビ局ABCのホリデースペシャルとして、CGアニメーションの『ウェイン＆ラニー』も制作された[220]。

2010年-2019年 さらなる躍進、ジョン・ラセターとエド・キャットマルの退社

2010年に発表された『塔の上のラプンツェル』も、ラセターは古き良きディズニーの系譜に連なる路線を選択した。ディズニー・ルネサンスを支えた作曲家のアラン・メンケンを音楽に起用した。また、同じくディズニー・ルネサンスの立役者であるグレン・キーンをスーパーバイジング・アニメーターと製作総指揮に起用した。『塔の上のラプンツェル』はキーンが14年前から温めていたプロジェクトであり元々の監督も彼の予定であったが、ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオとの不和でプロジェクトから離脱しようとしていた所をラセターが引き止めた。結果的に、ディズニー・クラシックを彷彿とさせる王道のプリンセスストーリーを展開させるなど、ディズニーの伝統を重んじた作品に仕上がった[193]。

2013年公開の『アナと雪の女王』では、ラセターと共に『きつねと猟犬』に参加し、ディズニー・ルネサンスの時代を知るベテランアニメーターのクリス・バックを監督に起用した。この作品は、全世界での興行成績が10億ドルを突破したのみならず、アニメーション映画史上最大のヒットを記録した[193]。

2019年-2023年 さらなる挑戦とテレビ分野への進出

プロダクションロゴ

2007年まで、ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオは従来のプロダクションロゴを使用せず、代わりに標準的なウォルト・ディズニー・ピクチャーズのロゴを使用していた。2007年からは、ウォルト・ディズニー・ピクチャーズのロゴの後に、『蒸気船ウィリー』をベースにした画面上のプロダクション・ロゴが加えられた。ベージュの紙を背景に、昔の姿のミッキーマウスが描かれている。フリップブックのようにページをめくると、ミッキーが口笛を吹いている前述の短編のシーンにアニメーションで切り替わる。カメラはイエローゴールドのスポットライトを背景にズームアウトし、その下にはWalt Disney Animation Studiosの文字が表示されている。

このスタジオのプロダクションロゴは、『ルイスと未来泥棒』以降、すべての作品に登場している。"記念"のバリエーションは『塔の上のラプンツェル』（2010年）と『ミラベルと魔法だらけの家』（2021年）に使用され、 "Walt Disney Animation Studios "50th Animated Motion Picture" "60th Animated Motion Picture "と表示された"記念"バージョンが使われ、それぞれ「0」にミッキーのシーンがあり、『ミラベルと魔法だらけの家』には短縮版が使われている。「シュガー・ラッシュ」では、8ビット版のロゴが使用された。『アナと雪の女王』（2013年）、『モアナと伝説の海』（2016年）、『アナと雪の女王2』（2019年）、『ラーヤと龍の王国』（2021年）、『ミラベルと魔法だらけの家』では、ミッキーの口笛を無音にして、それぞれのオープニングテーマをロゴの上に流すようにした。『ストレンジ・ワールド/もうひとつの世界』（2022年）では、Disney100のロゴの長さの関係で、ロゴが短くなっている。

制作作品

長編アニメーション映画

# 邦題 / 原題 公開日 日本公開日 製作費 興行収入 Rotten Tomatoes Metacritic
1 白雪姫
Snow White and the Seven Dwarfs		 1937年12月21日 1950年09月26日 $1,488,423 $418,200,000 98% 95
2
（4） 		ピノキオ
Pinocchio		 1940年02月07日 1952年05月17日 $2,289,247 $84,254,167 100% 99
3
（9） 		ファンタジア
Fantasia		 1940年11月13日 1955年09月23日 $2,280,000 $83,320,000 96% 96
4
（6） 		ダンボ
Dumbo		 1941年10月23日 1954年03月12日 $950,000 $1,600,000 97% 98
5
（2） 		バンビ
Bambi		 1942年08月13日 1951年05月18日 $858,000 $267,447,150 91% 91
6
（11） 		ラテン・アメリカの旅
Saludos Amigos		 1943年02月06日 1957年03月20日 $1,135,000 80% 62
7
（12） 		三人の騎士
The Three Caballeros		 1945年02月03日 1959年03月10日 $3,355,000 87% 85
8
（22） 		メイク・マイン・ミュージック
Make Mine Music		 1946年04月20日 1985年10月21日 $1,350,000 $3,275,000 67% 60
9
（7） 		ファン・アンド・ファンシー・フリー
Fun and Fancy Free		 1947年09月27日 1954年08月09日 $3,165,000 67% 66
10
（24） 		メロディ・タイム
Melody Time		 1948年05月27日 1987年01月25日 $1,500,000 $2,560,000 88% 69
11
（44） 		イカボードとトード氏
The Adventures of Ichabod and Mr. Toad		 1949年10月05日 2004年05月01日 $1,625,000 92% 74
12
（3） 		シンデレラ
Cinderella		 1950年02月15日 1952年03月07日 $2,900,000 $271,732,564 97% 85
13
（5） 		ふしぎの国のアリス
Alice in Wonderland		 1951年07月16日 1953年08月19日 $3,000,000 77% 68
14
（8） 		ピーター・パン
Peter Pan		 1953年02月05日 1955年03月22日 $4,000,000 $87,404,651 75% 76
15
（10） 		わんわん物語
Lady and the Tramp		 1955年06月16日 1956年08月08日 $4,000,000 $93,602,326 89% 78
16
（13） 		眠れる森の美女
Sleeping Beauty		 1959年01月28日 1960年07月23日 $6,000,000 $51,600,000 91% 85
17
（14） 		101匹わんちゃん
One Hundred and One Dalmatians		 1961年01月25日 1962年07月27日 $4,000,000 $215,880,014 97% 83
18
（15） 		王様の剣
The Sword in the Stone		 1963年12月25日 1964年07月18日 $4,000,000 $22,182,353 71% 61
19
（16） 		ジャングル・ブック
The Jungle Book		 1967年10月18日 1968年08月06日 $4,000,000 $205,843,612 85% 65
20
（17） 		おしゃれキャット
The Aristocats		 1970年12月11日 1972年03月11日 $4,000,000 $55,675,257 66% 66
21
（18） 		ロビン・フッド
Robin Hood		 1973年11月08日 1975年07月19日 $1,500,000 $32,056,467 52% 57
22
（19） 		くまのプーさん 完全保存版
The Many Adventures of Winnie the Pooh		 1977年03月11日 1977年07月02日 $1,500,5000 $5,600,000 92% 70
23
（20） 		ビアンカの大冒険
The Rescuers		 1977年06月22日 1981年12月19日 $1,200,000 $71,215,869 83% 74
24
（21） 		きつねと猟犬
The Fox and the Hound		 1981年07月10日 1983年03月12日 $12,000,000 $63,456,988 69% 65
25
（23） 		コルドロン
The Black Cauldron		 1985年07月24日 1986年07月19日 $44,000,000 $21,288,692 55% 59
26
（25） 		オリビアちゃんの大冒険
The Great Mouse Detective		 1986年07月02日 1989年07月22日 $14,000,000 $38,625,550 81% 73
27
（26） 		オリバー ニューヨーク子猫ものがたり
Oliver & Company		 1988年11月18日 1990年07月21日 $31,000,000 $74,151,346 43% 58
28
（27） 		リトル・マーメイド
The Little Mermaid		 1989年11月17日 1991年07月20日 $40,000,000 $211,343,479 92% 88
29
（32） 		ビアンカの大冒険 ゴールデン・イーグルを救え! 
The Rescuers Down Under		 1990年11月16日 1996年04月19日 $37,931,000 $47,431,461 68% 70
30
（28） 		美女と野獣
Beauty and the Beast		 1991年11月13日 1992年09月23日 $25,000,000 $424,967,620 93% 95
31
（29） 		アラジン
Aladdin		 1992年11月25日 1993年08月07日 $28,000,000 $504,050,219 94% 86
32
（30） 		ライオン・キング
The Lion King		 1994年06月24日 1994年07月23日 $45,000,000 $987,483,777 90% 88
33
（31） 		ポカホンタス
Pocahontas		 1995年06月23日 1995年07月22日 $55,000,000 $346,079,773 56% 58
34
（33） 		ノートルダムの鐘
The Hunchback of Notre Dame		 1996年06月21日 1996年08月24日 $100,000,000 $325,338,851 73% 74
35
（34） 		ヘラクレス
Hercules		 1997年06月27日 1997年07月26日 $85,000,000 $252,712,101 84% 74
36
（35） 		ムーラン
Mulan		 1998年06月19日 1998年09月26日 $90,000,000 $304,320,254 86% 71
37
（36） 		ターザン
Tarzan		 1999年06月18日 1999年12月18日 $130,000,000 $448,191,819 88% 79
38
（37） 		ファンタジア2000
Fantasia 2000		 2000年01月01日 2000年01月01日 $80,000,000 $90,874,570 82% 59
39
（38） 		ダイナソー
Dinosaur		 2000年05月19日 2000年12月09日 $127,500,000 $349,822,765 65% 56
40
（39） 		ラマになった王様
The Emperor's New Groove		 2000年12月15日 2001年07月14日 $100,000,000 $169,327,687 85% 70
41
（40） 		アトランティス 失われた帝国
Atlantis: The Lost Empire		 2001年06月08日 2001年12月08日 $120,000,000 $186,053,725 49% 52
42
（41） 		リロ・アンド・スティッチ
Lilo & Stitch		 2002年06月16日 2003年03月08日 $80,000,000 $273,144,151 86% 73
43
（42） 		トレジャー・プラネット
Treasure Planet		 2002年11月27日 2003年07月12日 $140,000,000 $109,578,115 68% 60
44
（43） 		ブラザー・ベア
Brother Bear		 2003年10月20日 2004年03月13日 $46,000,000 $250,397,798 38% 48
45 ホーム・オン・ザ・レンジ にぎやか農場を救え!
Home on the Range		 2004年04月02日 2005年02月18日 $110,000,000 $103,951,461 54% 50
46 チキン・リトル
Chicken Little		 2005年10月30日 2005年12月23日 $150,000,000 $314,432,837 36% 48
47 ルイスと未来泥棒
Meet the Robinsons		 2007年03月30日 2007年12月22日 $150,000,000 $169,333,034 66% 61
48 ボルト
Bolt		 2008年11月21日 2009年08月01日 $150,000,000 $309,979,994 88% 67
49 プリンセスと魔法のキス
The Princess and the Frog		 2009年12月18日 2010年03月06日 $105,000,000 $267,045,765 83% 73
50 塔の上のラプンツェル
Tangled		 2010年11月12日 2011年03月12日 $260,000,000 $591,794,936 89% 71
51 くまのプーさん
Winnie the Pooh		 2011年07月15日 2011年09月03日 $30,000,000 $33,152,846 90% 74
52 シュガー・ラッシュ
Wreck-It Ralph		 2012年11月02日 2013年03月23日 $165,000,000 $471,222,889 86% 72
53 アナと雪の女王
Frozen		 2013年11月27日 2014年03月14日 $150,000,000 $1,274,219,009 89% 74
54 ベイマックス
Big Hero 6		 2014年11月07日 2014年12月20日 $165,000,000 $657,818,612 90% 74
55 ズートピア
Zootopia		 2016年03月06日 2016年04月23日 $150,000,000 $1,016,556,108 99% 78
56 モアナと伝説の海
Moana		 2016年11月23日 2017年03月10日 $150,000,000 $690,845,539 95% 81
57 シュガー・ラッシュ:オンライン
Ralph Breaks the Internet		 2018年11月21日 2018年12月21日 $175,000,000 $529,323,962 88% 71
58 アナと雪の女王2
Frozen 2		 2019年11月22日 2019年11月22日 $150,000,000 $1,450,026,933 77% 64
59 ラーヤと龍の王国
Raya and the Last Dragon		 2021年03月05日 2021年03月05日 $130,423,032
60 ミラベルと魔法だらけの家
Encanto		 2021年11月24日 2021年11月26日 $256,786,742
61 ストレンジ・ワールド/もうひとつの世界
Strange World		 2022年11月23日 2022年11月23日
62 ウィッシュ
Wish		 2023年11月22日 2023年12月15日

短編アニメーション映画

「ディズニーの短編映画」を参照

脚注

  1. ^ “Our Studio, Walt Disney Animation Studios.”. 2014年5月10日閲覧。
  2. ^ (Furniss, Maureen) (2007). Art in Motion, Animation Aesthetics (2014 print-on-demand ed., based on 2007 revised ed.). New Barnet: John Libbey Publishing. p. 107. ISBN (9780861966639). JSTOR j.ctt2005zgm.9. OCLC 1224213919. https://www.jstor.org/stable/j.ctt2005zgm.9 
  3. ^ Cavalier, Stephen (2011). The World History of Animation. Berkeley: University of California Press. pp. 14–16. ISBN (9780520261129). OCLC 668191570 
  4. ^ Cavalier, Stephen (2011). The World History of Animation. Berkeley: University of California Press. p. 78. ISBN (9780520261129). OCLC 668191570 
  5. ^ a b c d Barrier 1999, pp. 84–86, 144–151.
  6. ^ Tumminello, Wendy (2005). Exploring Storyboarding. Clifton Park, NY: Thomson Delmar Learning. p. 20. ISBN (978-1-4018-2715-1) 
  7. ^ Miller, Daniel (2016年3月25日). “You can get tattoos and photocopies in the Los Feliz building where Walt Disney once made magic”. Los Angeles Times. https://www.latimes.com/entertainment/envelope/cotown/la-et-ct-disney-los-feliz-20160325-story.html 2016年4月11日閲覧。 
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  14. ^ Gabler 2006, p. 129
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  18. ^
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    • Disneyana: Walt Disney Collectibles, by Cecil Munsey, 1974. p. 31.
    • The Disney Studio Story, by Richard Holliss & Brian Sibley, 1988.
    • Building a Company – Roy O. Disney and the Creation of an Entertainment Empire, by Bob Thomas, 1998. p. 137.
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関連項目

 
(ポータル ディズニー)

外部リンク

  • Walt Disney Animation Studios - 公式ウェブサイト
  • Disney Animation (@disneyanimation) - Twitter （英語）
  • Walt Disney Animation Studios - Tumblr （英語）
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